De la blouse d’atelier maculée de peinture aux tenues endossées pour se mettre en scène en société, lors de performances ou dans des autoportraits, comment les artistes se sont-ils habillés au fil de l’histoire de l’art ? Qu’est-ce que cela révèle de leur personnalité, autant que de la place de l’artiste dans la société à leur époque ? Et quelle influence ont-ils eue sur la mode ?
Voici les questions passionnantes que se pose cette flamboyante exposition (la première à faire dialoguer peintures et mode au Louvre-Lens) conçue par la directrice du musée Annabelle Ténèze, associée à l’historien de l’art et conservateur Olivier Gabet – ce dernier étant aussi à l’origine de l’événement « Louvre Couture » dans l’institution parisienne. Ce parcours foisonnant met brillamment en regard des peintures – certaines mythiques comme les portraits de Rembrandt et de Delacroix – et des vêtements, dont de nombreuses pièces portées par des artistes de renom, mais aussi de magnifiques créations d’Yves Saint Laurent inspirées par l’histoire de l’art, des vases grecs à Henri Matisse et Piet Mondrian.
Sur ses autoportraits, les nombreux costumes de Rembrandt
Au fil des siècles, l’accoutrement des artistes évolue, toujours vers plus de créativité. On en sait peu sur leurs tenues avant la Renaissance, époque où ils se mettent enfin à signer leurs œuvres, à s’affirmer et à se mettre en valeur dans des autoportraits qui leur tiennent lieu de cartes de visite. Se représenter en tenue princière est alors une manière de montrer fièrement sa réussite : ainsi, la peintre de cour italienne Sofonisba Anguissola (1532–1625) apparaît (dans un autoportrait follement original prêté par la pinacothèque de Sienne) vêtue d’une luxueuse robe rouge brodée d’or, en train d’être peinte par son maître qui, pinceau à la main, peaufine les détails de sa tenue.
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